زلفا عسّاف

في برنامج مهرجان “شاشات الجنوب” الذي قدّمته سينما متروبوليس بين 28 أيار و6 حزيران، لم تكن الأفلام مجرّد اختيارات، بل خارطة سينمائيّة بين دول عدّة من فلسطين وكولومبيا والعراق وفرنسا وإسبانيا وغيرها. هذه الأعمال، التي عُرض بعضها في مهرجانات كبرى مثل كان cannes، وبرزت في دوائر نقديّة دوليّة، التقت عبر قاسم مشترك هو الإنسان حين يُجرّد من يقينه الداخلي ويُترك في مواجهة الصمت، الذاكرة، والفقد والتاريخ.
في مدينة مثل بيروت، التي ما زالت تعيش آثار حرب طويلة وانكسارات متراكمة في الذاكرة اليوميّة، بدا هذا البرنامج أكثر من مجرّد عروض سينمائيّة، بل مساحة قراءة مشتركة للعالم عبر مشاهد بصريّة تتقاطع فيها التجارب حيث تتحول الصورة إلى أداة تفكير وليست مجرد تمثيل، ويصبح الاختيار البرمجي نفسه خطابًا ثريّاً عن العالم. وقد استطاعت سينما متروبوليس من خلال هذه البرمجة أن تعيد تثبيت فكرة أن السينما ليست ترفًا، بل مساحة مقاومة هادئة للانهيار، وأنها تتيح للمدينة أن تستعيد شيئًا من توازنها الرمزي.
وقد اخترنا التوقف عند أبرز الأفلام التي شاهدناها ضمن هذا البرنامج، بوصفها ليست أعمالًا منفصلة، بل فصلًا واحدًا من سؤال أكبر حول الإنسان حين يُفكك من ثوابته، حين يصبح الصمت لغة، والذاكرة عبئًا، والفن سؤالًا غير مكتمل، والرحلة شكلًا من الانكشاف الداخلي.

يمتد هذا الحس المشترك من فيلم Rungano NyoniOn Becoming a Guinea Fowl (2024)، الذي جاء من زامبيا والمملكة المتحدة وإيرلندا، وعُرض في مهرجان كان 2024 ضمن قسم Un Certain Regard حيث لاقى إشادة نقديّة واسعة. الفيلم الذي تؤدي فيه Susan Chardy (Shula) دور امرأة تعود إلى عائلتها بعد وفاة قريب، ينطلق من حدث بسيط ظاهريًا: عودة ابنة إلى بيت العائلة لحضور جنازة، لكن هذه العودة تتحوّل تدريجيًا إلى مواجهة مع تاريخ كامل من الصمت حول اعتداءات غير مُعترف بها داخل العائلة.
شيئًا فشيئًا، يتكشّف أن البيت ليس مكانًا للذاكرة، بل نظام مغلق لإعادة إنتاج الإنكار، حيث يصبح كل فرد جزءًا من بنية تواطؤ صامت. سرديًا، لا يبني الفيلم تصعيدًا تقليديًا، بل يشتغل على التوتر البطيء، كأن الحدث الحقيقي يحدث تحت الكلام لا داخله. الإخراج يعتمد على كادرات ثابتة ومساحات فارغة محسوبة تجعل الصمت أكثر حضورًا من الحوار، مع تصميم صوتي يضاعف الإحساس بالفراغ، فيتحول البيت إلى فضاء خانق نفسيًا.

ومن هذا الصمت الثقيل ننتقل إلى لحظة أرشيفية نادرة مع فيلم Saïd Effendi (1956) للمخرج العراقي كامران حسني، الذي يُعد من الأعمال المبكرة في السينما العراقية الواقعية. وقد عُرض هذا الفيلم ضمن كلاسيكيات مهرجان كان السينمائي العام الماضي كما ورد في تقديم العرض.
تدور قصته حول رجل بسيط في بغداد القديمة يعيش تفاصيل يومية هادئة ظاهريًا، لكن هذه التفاصيل تتحول تدريجيًا إلى مرآة لمدينة تتغير بصمت. يؤدي الأدوار الرئيسية سامي عبد الحميد وإستر غطاس.
يعتمد الفيلم على تصوير خارجي طبيعي يعكس تأثير الواقعية  الجديدة، حيث تصبح بغداد هي الشخصية الأساسية، تتحرك بين زمنين: تقليد ينسحب وحداثة تتشكل، في بناء بصري يقوم على الملاحظة أكثر من الحدث.

أما في فيلم A Poet (2025) للمخرج الكولومبي Simón Mesa Soto، والذي عُرض في مهرجان كان 2025 ضمن قسم Un Certain Regard، فنحن أمام قصة تبدأ من نقطة انكسار: شاعر يعيش خارج دائرة الاعتراف، يحاول استعادة معنى حياته عبر علاقة بطالبة شابة موهوبة. الشخصية المركزية Óscar Restrepo، التي يؤديها Ubeimar Rios, تتحول إلى دراسة في انهيار صورة الفنان حين يُسحب منه الاعتراف الرمزي.
يتقدم الفيلم عبر تفاصيل يومية دقيقة، ويعتمد على قرب بصري شديد من الشخصيات، ما يجعل التجربة أقرب إلى تفكك داخلي هادئ أكثر من كونها سردًا تقليديًا.

في المقابل، يأخذنا Sirât (2025) للمخرج الإسباني الفرنسي Oliver Laxe، الذي عُرض في مهرجان كان 2025، إلى رحلة صحراوية تبدأ بالبحث عن مفقودة، لكنها تتحول تدريجيًا إلى تجربة وجودية يتآكل فيها معنى الهدف نفسه.
يحمل الفيلم عنوانه بمعناه الفلسفي: الصراط المستقيم، كمسار هش بين الحياة والموت، وبين المعنى والضياع. ومع تقدم الرحلة، تتحول الصحراء إلى حالة وعي، والزمن إلى كتلة شعورية بطيئة، فيما يصبح الصمت عنصرًا مركزيًا في بناء التجربة البصرية.

واختتمت عروض البرنامج مع فيلم All That’s Left of You (2025) للمخرجة شيرين دعيبس، وهو إنتاج متعدد الدول بين فلسطين وألمانيا وقبرص والأردن واليونان وقطر والسعودية.
يمتد الفيلم عبر قصة عائلة فلسطينية تتعرض للتشظي عبر أجيال من النكبة إلى الشتات، حيث تتحول الذاكرة إلى بنية متراكمة من الفقد.

الأدوار الرئيسيّة شيرين دعيبس، صابح بكري، آدم بكري ومحمد بكري.

الفيلم يتتبع عائلة فلسطينية تمتد عبر عدة أجيال، تبدأ من الأب الأكبر ثم الابن، وصولًا إلى الجيل الأصغر، حيث تتشكل حياتهم تحت ضغط النكبة وما تلاها من فقد وتشظي وتهجير. في قلب هذا الامتداد العائلي، تعيش الأم تجربة مركزية تقود السرد، بينما يتعرض الابن لخسارة قاسية تغيّر مسار العائلة وتكشف كيف يتحول الفقد الفردي إلى ذاكرة جماعية ممتدة. الفيلم يقدّم هذا التاريخ ليس كأحداث سياسية مباشرة، بل كحياة يومية تتراكم فيها الخسارات الصغيرة لتصنع حكاية عائلة كاملة تبحث عن معنى البقاء والانتماء.

على الهامش
ضم البرنامج أيضًا مجموعة أعمال أخرى امتدت من الجزائر والهند وكوريا الجنوبية وإيران واليابان والأرجنتين ونيجيريا، إضافة إلى برنامج أفلام قصيرة طلابية من IESAV – USJ. هذه الأعمال فتحت أسئلة موازية حول الطبقة والهجرة والسلطة والطفولة والهوية، بما يجعل البرنامج شبكة واسعة من التجارب أكثر من كونه سلسلة عروض مستقلة.

ختامًا، ما يجمع هذه الأفلام عبر الجغرافيا والموضوعات المختلفة هو طريقة مشتركة في النظر إلى الإنسان حين يُفكك من ثوابته: حين يصبح الصمت لغة، والذاكرة عبئًا، والفن سؤالًا غير مكتمل، والرحلة شكلًا من الانكشاف الداخلي. في هذا السياق، بدا برنامج “شاشات الجنوب” في متروبوليس مساحة سينمائية تعيد التفكير في الصورة كوسيلة إدراك لا تمثيل.
كل فيلم  فتح أسئلة وجوديّة وفلسفيّة في الصميم وكأن البرنامج يقترح أن الإنسان في السينما المعاصرة لم يعد يُفهم من خلال ما يفعله، بل من خلال ما يصعب عليه قوله أو تذكره أو تجاوزه.

In a powerful statement of
creativity, elegance, and perseverance, The Summer Luxuria Edit officially
opened its doors at Phoenicia Hotel Beirut, bringing together some of the
region’s most distinguished names in fashion, jewelry, beauty, art, and luxury
lifestyle.

Organized by M&O Events
under the patronage of Beirut Governor Judge Marwan Abboud, the four-day
exhibition attracted an exceptional gathering of celebrities, influencers,
media personalities, entrepreneurs, and prominent members of Lebanon’s social scene,
all united by a shared appreciation for innovation, craftsmanship, and luxury.

The opening evening was
further elevated by the presence of the event’s ambassador, Queen of Beauty
Leila Obeid, whose elegance and influence perfectly reflected the spirit of the
exhibition.

At the heart of this
successful initiative is Nicole Kamel, Founder of M&O Events, whose vision
and determination transformed challenges into opportunities. Through her
unwavering commitment to supporting creative talent and luxury brands, she
created a dynamic platform that celebrates excellence while highlighting
Beirut’s enduring role as a center for culture, beauty, and entrepreneurship.

Showcasing an impressive
selection of exhibitors across jewelry, fashion, beauty, art, accessories, and
lifestyle, The Summer Luxuria Edit offered visitors a unique and immersive
experience, reaffirming its position as one of the season’s most anticipated
luxury events.

More than an exhibition, The
Summer Luxuria Edit stands as a celebration of Beirut’s resilience, proving
once again that creativity and elegance continue to thrive despite every
challenge.

Melhem Hachem

The audience does not leave “Al Wahish” with a single settled impression. What remains is a suspended state of uncertainty, as if the performance resists closure and refuses to be reduced to a fixed judgment. The experience continues to unfold after the curtain falls, shifting the focus from evaluation to lingering psychological residue.

In Jacques Maroun’s staging at Theatre Le Monnot, the work operates less as a straightforward adaptation of John Patrick Shanley’s text and more as an exercise in compressing human relations under extreme pressure. The dramaturgical space is reduced to its most severe form, a closed confrontation between two individuals stripped of emotional distance and protective layers.

Within this frame, Danny, played by Dory El Sammarani, emerges not as a conventional figure of anger but as a body in constant friction with itself, suspended between impulse and collapse. Bertha, performed by Carol Abboud, is shaped as a saturated interiority, where memory overwhelms the present and internal judgment replaces external reality.

What distinguishes the performance is the absence of traditional escalation. Rather than progressing through clear dramatic steps, the piece moves through gradual erosion, where stability dissolves and interpretation becomes increasingly unstable. Tension replaces narrative clarity as the main structural force.

Directorially, Maroun compresses the space to intensify proximity between the characters, yet this spatial concentration is not always supported by a consistent rhythmic architecture. High intensity sequences are followed by abrupt reductions in pressure, creating an uneven pulse that affects the coherence of the overall experience.

In terms of performance, Dory El Sammarani delivers a physically charged interpretation that clearly conveys a body on the edge of rupture, though the psychological transformation does not always reach full depth and occasionally remains at the level of external expression. Carol Abboud approaches Bertha through a restrained internal register, yet some moments remain anchored to a recognisable performance vocabulary rather than complete dissolution into the character.

The writing itself relies on accumulation rather than economy. This choice gives the text density, but at times it replaces discovery with declaration, reducing the sense of unfolding that theatre usually depends on.

Even the visual language, though strong at its inception, does not consistently sustain its initial tension throughout the duration of the work. The production succeeds more in establishing a powerful opening atmosphere than in maintaining a continuous dramaturgical arc.

Still, what persists is not the structure of the performance but the unsettling idea it leaves behind. “Al Wahish” does not present the beast as an external figure, but as an internal condition, a possibility that emerges when human balance collapses. A work that does not ask for agreement, but instead reopens a more difficult question about what it means to confront the fragile limits within ourselves.

Before a packed audience of artists, media figures, cultural personalities, and
representatives of television, radio, print, and digital press, Al Wa7esh
opened at Théâtre Le Monnot with a special preview performance led by
the magnetic presence of Carole Abboud and Dory Al Samarany.

Directed by Jacques Maroun, the production brings to Beirut John
Patrick Shanley’s celebrated  Danny
and the Deep Blue Sea in an Lebanese-Arabic translation by Arze
Khodr. At the center of this Lebanese staging lies the volatile encounter
between its two performers: an emotionally exposed duet carried by tension,
rupture, tenderness, and the fragile possibility of connection.

The play follows Roberta and Danny, two wounded outsiders who
meet one night in a nearly empty bar. Both arrive armed with fear, anger, and
years of buried pain. What begins as confrontation slowly shifts into
confession, as two people seemingly incapable of tenderness begin, cautiously and
awkwardly, to recognize themselves in one another.

Abboud gives Roberta a presence that is at once bruised and defiant,
moving seamlessly between vulnerability and control, exhaustion and instinct.
Opposite her, Al Samarany brings Danny a raw, restless energy, shaping
him less as a brute than as a man desperately shielding himself from collapse.
Together, they create a stage relationship built on silences, eruptions,
hesitation, humor, and need.

Rather than treating Danny and the Deep Blue Sea as a distant
American text, Al Wa7esh draws Shanley’s world into a distinctly
Lebanese emotional landscape. Under Maroun’s direction, the play becomes less
about geography than recognition: the familiar sight of people living at the
margins of themselves, struggling to name their wounds while reaching, however
clumsily, toward grace.

The return of Al Wa7esh to the stage also carries particular
resonance. The production was first presented in 2019 at Maroun’s artistic
workshop before Lebanon’s successive crises interrupted its path toward a wider
audience. Its opening at Théâtre Le Monnot now marks not simply a
revival, but the continuation of a theatrical journey long left suspended.

Shanley, the Academy Award-winning screenwriter of Moonstruck and
Pulitzer Prize and Tony Award-winning playwright of Doubt: A Parable,
remains one of the defining voices of contemporary American theatre and cinema.
Danny and the Deep Blue Sea is a compact, unforgiving work that
leaves little room for ornament or evasion, placing extraordinary demands on
its performers.

Since its first presentation, Al Wa7esh has drawn attention for
the intensity of its lead performances and for its ability to transform an
international text into something immediate and locally resonant. In its new
run at Théâtre Le Monnot, that force is carried above all by Abboud
and Al Samarany, whose performances place audiences face-to-face with fear,
rage, humor, longing, and the uneasy hope of redemption.

Written by John Patrick Shanley, translated by Arze Khodr,
produced and directed by Jacques Maroun, and starring Carole Abboud
and Dory Al Samarany, Al Wa7esh is now playing at Théâtre
Le Monnot.